Смитсоновский музей американского искусства Вашингтон - В. Морозова Страница 12

Роберт Рейд (1862–1929) Зеркало 1910. Холст, масло. 94,9x77

Роберт Рейд — один из самых знаменитых импрессионистов Америки, чье творчество изменило направление национальной живописи с конца XIX века. Рейд учился в Художественной школе Бостонского музея и в Академии Жульена в Париже, где развивал свой индивидуальный подход к портрету и пейзажу. Вернувшись в Нью-Йорк, он стал одним из членов-основателей группы «Десять американских художников», стоявшей во главе импрессионистического течения. Рейд превосходно владел техникой витражной живописи, а также выполнил большое количество фресок для всемирно известных выставок. Мастер заслужил почет и уважение критиков, получил неисчислимое количество наград, в том числе призы от Национальной академии дизайна и золотую медаль на Парижской выставке в 1900.

Картина «Зеркало» отмечена невероятной декоративностью. Утонченный и возвышенный женский образ дополнен экзотической росписью на ширме. Красиво задрапированное платье и грациозные жесты героини добавляют всей композиции патетики. Автор написал полотно в едином голубовато-золотистом колорите, отчего оно выглядит целостным и гармоничным.

Чарльз Уолтер Стетсон (1858–1911) После купания 1910. Холст, масло. 172,5x101

Чарльз Уолтер Стетсон не имел специального художественного образования, но, несмотря на это, был признан величайшим колористом своего времени за умение создавать насыщенные цветовые соотношения. Живописец много путешествовал и побывал в Бельгии, Франции, Германии, Англии, но во время длительной поездки в Италию его здоровье подорвалось, и он навсегда потерял слух.

Картина «После купания» написана художником уже во время болезни, на полотне ясно ощущаются отсутствие гармонии в линиях и эффект изоляции действия, характерный для его поздних работ. Глухота усилила зрительные рецепторы мастера, и его колористическое дарование возросло. Цветовая гамма приобрела звучность и глубину, а техника живописи стала импрессионистически мягкой и текучей.

Автор произведения сочетает античный сюжет и современную манеру исполнения. В центре композиции — две прекрасные девы, только что вышедшие из источника вечной молодости, который, по легенде, возвращает силы и внешнюю привлекательность, стоит только искупаться в нем. На сказание указывает сидящий на краю бассейна павлин, символизирующий неувядающую красоту.

Чайльд Гассам (1859–1935) Южные рифы, Аппледор 1913. Холст, масло. 87x91,6

Чайльд Гассам начал свою карьеру как гравер и рисовальщик, а также зарекомендовал себя во время золотого века американской иллюстрации 1880-1890-х как блестящий мастер. Художник считается прогрессивной фигурой импрессионизма Америки, но сам не раз отрекался от этого штампа, презирая творчество Клода Моне. Импрессионизм Гассама включает в себя нечто большее, чем погоня за приятными глазу композициями и вкус к яркому свету и цвету. За одухотворенное содержание полотен и динамичную технику мазка его прозвали американским Сислеем, перенесшим легкую и элегантную манеру французского письма на культурный фундамент свободной Америки.

Хотя художник никогда не считал себя импрессионистом, после поездки в Европу в 1883 стали очевидны заимствования ясной палитры, приемов разложения тона и передачи световоздушной среды.

В начале XX века Гассам писал виды острова Аппледор у побережья штата Мэн. Произведение «Южные рифы, Аппледор» — одна из таких работ. По словам автора, скалы и море являются чуть ли не единственными объектами, никогда не меняющимися. Ему удалось передать великолепие пейзажа, атмосферу безмятежной неги, царящую на острове, и счастливый момент. Красиво одетая женщина, в закрывающей лицо от солнца широкополой шляпе задумчиво опустила голову вниз. Она будто поглощена песней кулика, загадочной птицы этого острова.

Искусство Гассама вышло далеко за пределы импрессионизма. Человеческий образ и жизнь на его полотнах утрачивают привычное художественное значение и становятся символами и намеками на некие иные реальности. Бессобытийность и созерцательность картины наталкивают зрителя на философские размышления, что приближает творчество мастера к символизму.

Оскар Блюмнер (1867–1938) Вечерние звуки 1911–1917. Холст, масло. 38,7x50,8

Уроженец Германии Оскар Блюмнер в начале творческого пути пытался построить карьеру архитектора. Он создавал проекты для жилых и общественных зданий, находя источники вдохновения в романском стиле. В 1900 мастер переехал в Нью-Йорк и сотрудничал с архитектором Майклом Гарвином, который позорно украл у него дизайн здания районного суда в Бронксе.

После долгих тяжб Блюмнер решил навсегда завязать с архитектурой и, захотев всерьез заняться живописью, присоединился к ведущей группе нью-йоркского авангарда «291». Он познакомился с Альфредом Штиглицом, одним из самых влиятельных арт-дилеров XX века, и это стало поистине судьбоносной встречей. Штиглиц был первым, кто продемонстрировал Матисса, Ван Гога, Сезанна и предоставил огромную поддержку самому Блюмнеру, организуя его персональные выставки. Искусство мастера — сложное по технике и трактовке, возможно, этим и объясняется то, что он не снискал популярности, продал немного картин и всегда жил в бедности. В манере художника соединились кубизм, фовизм, футуризм и экспрессионизм. Эти стили были ответвлениями модернизма — экспериментаторского направления, занимавшегося поиском новых живописных средств, отличных от всего буржуазного, академического.

Важным для Блюмнера явилось не изображение видимой действительности, а освобождение цвета и формы от оков предвзятого понимания мира. Сосредоточив свое внимание на выразительных возможностях цвета, на картине «Вечерние звуки» автор разрушает узнаваемость объектов и согласованность композиции. Он окрашивает деревья и дома в чистые зеленые, желтые, красные цвета, а сами очертания предметов старается абсолютизировать до геометрических знаков — прямоугольника, ромба, квадрата. Яркие ядовитые цвета и искаженные формы символизируют сложный болезненный мир мастера и провозглашают ложность объективной реальности.

Активное использование приемов абсурда и алогизма в художественном творчестве стало следствием сложившейся в мире в начале XX века атмосферы, получившей апокалиптическую окраску из-за революций, войн и идей создания средств массового уничтожения.